Este verano, el Bioparque Temaikèn suma una nueva propuesta pensada para toda la familia que combina tecnología, educación y conciencia ambiental. Se trata de “Planeta Vida”, una experiencia inmersiva que invita a grandes y chicos a conocer el planeta, entender su fragilidad y reflexionar sobre la importancia de cuidarlo.
Fuimos invitados a participar del evento de lanzamiento de esta nueva atracción, una instancia especialmente pensada para presentar el recorrido y su mensaje central. Al llegar, fuimos recibidos por los “capitanes” de la nave, quienes nos guiaron durante toda la experiencia y nos invitaron a embarcarnos en un viaje sensorial por la Tierra, con un objetivo claro: tomar conciencia del rol que cada uno puede cumplir en la protección del medio ambiente.
La propuesta fue desarrollada con tecnología de última generación y plantea un recorrido inmersivo a bordo de un transbordador que permite “viajar” por distintos ecosistemas del planeta. A lo largo del trayecto, se pone el foco en la biodiversidad, el delicado equilibrio natural y las consecuencias que tienen las acciones humanas sobre el entorno. Lejos de ser solo una experiencia visual, “Planeta Vida” busca generar emoción, reflexión y compromiso.
Uno de los ejes centrales del recorrido es invitar a los visitantes a sumarse como guardianes del planeta, entendiendo que pequeñas acciones cotidianas pueden generar un impacto positivo en el cuidado de la fauna, la flora y los ecosistemas.
“Planeta Vida” puede experimentarse visitando el Bioparque todos los días de 10 a 19 horas durante el verano, y se presenta como una excelente opción cercana para los vecinos de Nordelta, Tigre y zonas aledañas, ideal para disfrutar en familia durante las vacaciones.
Esta nueva experiencia se suma a las múltiples actividades educativas y recreativas que la Fundación Temaikèn impulsa desde hace más de 25 años, con el objetivo de reconectar a las personas con la naturaleza y promover el cuidado de la fauna y flora autóctonas.
Además, visitar el Bioparque no solo implica una propuesta recreativa, sino también un compromiso: cada entrada contribuye a los programas de conservación, rescate de animales y protección de ecosistemas que la fundación desarrolla en distintos puntos del país.
Una experiencia para disfrutar, aprender y, sobre todo, salir con una mirada renovada sobre el planeta que habitamos. 🌱✨
Siempre tuve la idea de hacer un crucero, al menos una vez, y decidí que era la opción ideal para invitar a todos mi marido e hijos a festejar mis 50. Una buena forma de tenerlos a todos juntos sin escapatoria, ¡ja! El plus, hacerlo en año nuevo y ver los fuegos de Río desde el mar.
El viaje: Río de Janeiro + Año Nuevo en altamar
El itinerario combinó días de navegación con escalas en destinos como Montevideo, Camboriú, Angra Do Reis e Ilhabela. El clímax del viaje fue recibir el Año Nuevo a bordo, una experiencia distinta a la de cualquier ciudad: festejo en cubierta, el mejor show de fuegos artificiales, música, cena especial, fiesta de blanco a bordo y todo para disfrutar.
La contra de esta fecha es que bajas en Río de Janeiro el 1 de año por ende está todo cerrado menos los sitios turísticos clave. También está todo sucio luego de los festejos en la playa en Copacabana, pero como somos un grupo positivo, recorrimos igual, hicimos playa y disfrutamos de cada hora.
Pros y contras del crucero
No deja de sorprenderme ver esa ciudad inmensa flotando en medio de la nada. Es realmente milagroso y se siente la presencia combinada de la mano del hombre y su ingeniería, con la mano de dios y su grandeza.
Debo reconocer que mi faceta sociológica para mirar el mundo hizo que me encontrase muchas veces pensando que estaba viviendo en el monumento a los 7 pecados capitales donde la gula y la pereza se llevan todos los premios.
Los puntos a favor del crucero
Sin duda Costo beneficio es una gran opción. Si uno compara lo que obtiene en el crucero, con todo contratado por separado (aéreo, traslados, all inclusive, shows, etc.) sería mucho más caro lograr pagarlo a igualdad de servicios.
Pero acá les dejo un listado de algunos Pro y contras que me resultaron clave:
✔️ Comodidad total: valija única, habitación fija y todo organizado.
✔️ Todo incluido: comidas de excelente calidad, shows variados e increibles artistas, actividades y entretenimiento durante todo el día.
✔️ Ideal para grupos y familias: cada uno puede hacer su plan sin complicaciones. Hay para todas las edades
✔️ Ideal para gente más 70 y para gente con capacidades reducidas. Sin duda una gran opción que tendré en cuenta cuando llegue a esa edad.
✔️ Varios destinos en un solo viaje: sin aeropuertos, traslados, movilización de equipaje ni cambios de hotel.
Los puntos en contra (no menores)
❌ Poco tiempo en cada destino: no es el viaje ideal para quienes aman explorar sin reloj. Porque si te perdes la lancha de vuelta al crucero es un temón. Pero si te organizas es suficiente. Hay lugares que estás 6hs y otros 8 o 10.
❌ Mucha gente en temporada alta: Año Nuevo implica barco lleno y espacios compartidos muy concurridos. Pero también, sobre todo si aprovechas la mañana podés lograr hacer una rutina un poco alejada de tanta gente y movimiento.
❌ Ojo con los NO INCLUIDO: wifi, excursiones, bebidas especiales y algunos servicios no siempre están incluidos y la verdad es que te quieren vender todo el tiempo un plus de algo. Nosotros hicimos las excursiones por nuestra cuenta incluso en Rio y todo salió perfecto y mucho más económico.
❌ Movimiento del barco: no todos lo toleran igual, especialmente los primeros días. A mi me resultó super agradable. Salvo 2 días que tocó mucho movimiento y costó dormir. Pero por suerte no fuimos de los mareados.
Algunos consejos:
Hace un esfuerzo y saca la cabina con balcón.
De todos los extras que te quieren vender el paquete de bebidas todo el día vale la pena (no hace falta el mejor salvo que seas muy exquisito. Con el que te da alcohol todo el día está ok).
Si son varios la habitación 3 o cuádruple es generosa, se puede pasar los diez días sin problema. Nosotros fuimos la menor de 16 con nosotros y los 4 grandes de 21 a 28 en otra cabina.
Si no te gusta el tumulto de gente levántate temprano, disfruta de las cubiertas en ese horario sobre todo y luego almuerzo, siesta y a pasar la tarde en algún bar tranquilo de los interiores o en tu propio balcón.
¿Crucero sí o crucero no?
La respuesta corta: sí, al menos una vez. Y definitivamente sí, si sos +70.
El crucero no reemplaza un viaje clásico ni es la mejor opción para quienes buscan conocer en profundidad cada lugar. Pero sí funciona muy bien para descansar, desconectarse, viajar sin logística y vivir experiencias diferentes, como recibir el Año Nuevo navegando.
Como casi todo en turismo, no es blanco o negro: depende del momento, del tipo de viajero y de las expectativas.
Un debate que suma cada vez más adeptos
En redes sociales, el tema genera opiniones divididas: fanáticos del crucero versus amantes del viaje independiente. Y eso explica por qué esta forma de viajar sigue creciendo, especialmente entre quienes priorizan comodidad, experiencias diferentes y viajes sin demasiada logística.
El Hotel InterContinental Buenos Aires presentó su propuesta para recibir el Año Nuevo y desde Viaja2net estuvimos ahí para conocer —y degustar— de manera anticipada lo que será el menú festivo del 31.
La experiencia tuvo un plus: se realizó en un escenario que ya es noticia en toda la región. El hotel y Bodega Gamboa acaban de abrir al público el primer viñedo urbano de Latinoamérica, un espacio innovador y totalmente único, ubicado a solo 400 metros de Plaza de Mayo.
Un oasis enológico en pleno microcentro
Con más de 150 plantas de Malbec, Torrontés y Pinot Noir, el viñedo urbano se integra al paisaje porteño como una propuesta distinta que une gastronomía, cultura y hospitalidad.
El lugar puede visitarse de lunes a viernes, de 6 a 18, desde la calle interna del hotel, sin necesidad de ingresar al edificio principal. Un nuevo paseo para quienes trabajan, viven o disfrutan de la Ciudad.
Además de funcionar como atractivo cultural, el espacio ya está preparado para recibir eventos privados, sociales y corporativos, con una ambientación que sorprende a cualquiera que entra por primera vez: parras, luces cálidas, mesas de madera y un paisaje que parece sacado de una estancia… pero a pasos del Obelisco.
Experiencias que ofrece el nuevo viñedo urbano
El equipo del InterContinental y Bodega Gamboa desarrolló una serie de propuestas especialmente diseñadas para vivir la gastronomía argentina entre viñas:
Cena en el Viñedo: tres pasos bajo las parras, con maridaje de vinos seleccionados.
Cocktail de pie: bocados fríos y calientes con productos de estación.
Mesa Campestre: quesos regionales, frutas, fiambres pampeanos, panes artesanales y encurtidos, ideal para eventos informales.
Rincón de cocina típica argentina: humita cremosa, empanadas, molleja a la brasa con emulsión de coliflor quemado y más hits de la cocina local.
Menú de fuego: costillar, ojo de bife, chorizo, mollejas, provoleta y vegetales al rescoldo, todo preparado en el asador criollo del hotel.
Los huéspedes también tendrán degustaciones exclusivas, pensadas para conectar a los turistas con el vino argentino y la cultura porteña.
La degustación del menú de Año Nuevo
En este entorno único, fuimos invitados a descubrir antes que nadie la propuesta gastronómica que el hotel servirá en la celebración del 31 de diciembre.
Allí probamos parte del menú de fiestas: barra de sushi, platos fríos y calientes, estaciones gourmet, opciones vegetarianas, cortes argentinos y una mesa dulce a la altura del cierre del año.
Entre las viñas urbanas —sí, viñas en pleno microcentro— la experiencia se sintió distinta: un adelanto de lo que será una noche donde la gastronomía, la ambientación y el brindis se combinan para despedir el 2025 con estilo.
Buenos Aires, pionera en la tendencia mundial de los viñedos urbanos
Con esta inauguración, Bodega Gamboa e InterContinental Buenos Aires posicionan a la ciudad entre las capitales que suman viñedos urbanos a su oferta cultural y turística, al nivel de experiencias ya instaladas en Londres, París o Nueva York, pero por primera vez en América Latina.
El destino caprichoso quiso que Billy Waller se fuera demasiado pronto, apenas superados los 50, dejando más de 400 obras en su taller: huérfanas, silenciosas, desconocidas para muchos. Una responsabilidad inmensa, sobre todo para su familia. No era una herencia sencilla. Billy había mostrado su obra en contadas ocasiones; el resto vivía puertas adentro, protegido como un secreto, como un mundo íntimo que él habitaba para resistir, sanar y comprenderse.
Prolífero, inquieto, indómito, hizo del arte su guarida y su manera de darle forma a lo que le ardía en el alma. Y cuando partió, intempestivamente, su mujer y sus dos hijos tuvieron que tallar un nuevo destino sobre ese vacío.
Perder a un ser querido es doloroso; perder a un padre es indescriptible. Y tener apenas veinte años vuelve todo aún más complejo. Hizo falta una década para que María, su hija mayor, pudiera volver a mirar de frente esa obra detenida en el tiempo, dormida en un altillo y cargada de emociones que todavía no encontraba cómo nombrar.
No fue un camino lineal. Fueron diez años de juntar señales, hilvanar migajas de memoria, decodificar emociones y consensuar entre tres qué hacer con una herencia tan íntima como abrumadora. María tuvo que alejarse para poder acercarse de otro modo; tuvo que soñar, llorar, dudar y volver a empezar.
Como si un hilo invisible guiara sus pasos, fue encontrando el modo. Así nació el Espacio de Arte Billy Waller. En Villa Pueyrredón, un viejo taller mecánico fue transformado (y transformando a quienes lo habitaban) hasta convertirse en un proyecto que comenzó como intuición y terminó revelándose como destino.
En 2024, María decidió convertir esa intuición en obra concreta. Trabajó un año entero aprendiendo, restaurando, investigando y catalogando cada pieza. Tuvo que abrir una por una las obras, dialogar con ellas, reconocer a un padre quizá desconocido, entenderlo desde otro lugar. A veces, incluso, tuvo que dejar de ser hija para avanzar entre lienzos de una intensidad conmovedora. Pero, como el amor después del amor toma otro sentido, María logró darle sentido al arte después del artista.
“El Galpón”, como llaman íntimamente al espacio, promete convertirse en un punto de referencia en un barrio porteño que vive una transformación silenciosa. Quizás no solo renazca la obra de Waller: tal vez también esté gestándose un nuevo polo artístico y cultural capaz de acercar el arte —y sus movimientos— a más vecinos.
La inauguración del Espacio de Arte Billy Waller
Ese proceso íntimo, arduo y luminoso desemboca ahora en una noticia que marca un antes y un después: la inauguración formal del Espacio de Arte Billy Waller, un lugar dedicado a la puesta en valor, preservación y difusión de su obra.
El proyecto tuvo una antesala en la muestra íntima “La trastienda”, donde, a principios de noviembre, se presentó el detrás de escena de todo el trabajo que María, su familia y colaboradores llevaron adelante: un meticuloso proceso de conservación, restauración, investigación y catalogación de su producción.
“Hubo ruido y su forma aterrizó acá”
Ese recorrido culmina con la apertura de la exposición “Hubo ruido y su forma aterrizó acá”, una selección representativa y profundamente reveladora de su obra.
La exhibición retrospectiva fue diseñada gracias a la curaduría de María Waller y Lucía Ramundo. Su inauguración será el sábado 29 de noviembre y podrá visitarse hasta el 15 de marzo.
Dentro de la pintura de caballete, Waller encontró un ejercicio vital donde traducía en materia su vínculo con el entorno y con sus emociones. Lo que a primera vista podría parecer puramente abstracto se vuelve gesto, intensidad, forma viva. En su obra, lo sensible y lo técnico se entrelazan sin jerarquías. Su producción, vasta, rebelde y profundamente personal, recorre universos singulares que no se parecen a nada más que a sí mismos.
El riguroso proceso de investigación permitió identificar continuidades, rupturas y exploraciones que revelan a un artista sólido, libre y sorprendentemente heterogéneo, siempre comprometido con la experimentación. Fiel a esa búsqueda autónoma y sincera, el espacio abre sus puertas con el deseo de generar un diálogo entre su obra y el presente, convocando también a artistas y producciones contemporáneas que puedan resonar con ella.
Sobre Billy Waller
Billy Waller nació en Buenos Aires en 1964. Tras finalizar sus estudios secundarios ingresó al Centro de Artes Visuales, donde se formó en dibujo, pintura, escultura y grabado. Allí asistió al taller de Noé Nojechowicz, espacio en el que exploró el surrealismo y produjo una serie destacada de su obra.
En 1988 continuó su formación en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova, donde fue alumno de Jorge Demirgian. Ese mismo año, junto a un grupo de artistas, formó el taller 2/17 en San Telmo, bajo la supervisión de José María Cáceres.
Desde entonces, su obra osciló entre dos lenguajes: la abstracción como vehículo de fuerza expresiva y la figuración como anclaje de lo humano dentro de esas tensiones.
Hacia 1990 instaló su propio taller, que mantuvo durante más de quince años. Aunque incursionó en la escultura, fue a partir de 2008 cuando retomó esa práctica de manera sistemática, trabajando junto a Alberto Delponti y, luego, en mármol con Beatriz Sotto García. En 2006 participó de la exposición colectiva Soho Telo Muestra, junto a artistas como Nicola Constantino, Florencia Rodríguez y Alberto Pasolini, entre otros.
A lo largo de su trayectoria, Waller expuso en espacios como el Centro Alfredo Fortabat, la Fundación Banco Patricios, el Centro de Arte Contemporáneo de las Naciones Unidas, el Salón de Otoño, el Espacio Giesso y la Biblioteca Ameghino. Obtuvo el primer premio en dibujo de la Fundación ARCHE, así como el primer premio en pintura en las Naciones Unidas y el Museo Víctor Roverano. El Salón de Otoño también le otorgó el segundo premio en pintura.
A partir de 1995 se alejó del circuito expositivo para dedicarse de lleno a la producción y a la enseñanza de dibujo y pintura en su taller. Su obra, extensa y prolífica, sigue revelando piezas que aparecen ocasionalmente en manos de amigos o antiguos alumnos.
En sus últimos años expuso en En contraste y en la feria BADA (Pilar, Buenos Aires). Tras su fallecimiento, en 2015, su familia organizó dos muestras homenaje, y el Museo Benito Quinquela Martín presentó una retrospectiva bajo la curaduría de Yamila Valeiras. Una de sus obras forma parte de la colección del Museo.
Información
Instagram: @artebillywaller Visitas: con cita previa — +54 11 5976 7311 Mail: artebillywaller@gmail.com Entrada: libre y gratuita Dirección: Espacio de Arte Billy Waller — Cochrane 3140, Villa Pueyrredón, Ciudad Autónoma de Buenos Aires
En una calle tranquila de Villa Crespo, detrás de una fachada anónima de puerta roja, se esconde un universo donde el tiempo parece detenerse. Es el taller de Manuel De Francesco, artista plástico, escultor, docente, y sobre todo, un hombre de una serenidad que se contagia. Visitamos su espacio y compartimos una mañana entre sus obras, testigos mudos de su búsqueda constante.
Hay algo en él que desarma. Su tono pausado, su humildad, su forma de mirar cada una de sus esculturas como si las estuviera viendo por primera vez. “En general me gusta estar solo y trabajo solo —dice mientras camina entre figuras de cemento y arcilla—. Pero hay momentos en que estoy un poco desbordado… como verás, nunca hay tantas obras. Ahora justo estás viendo cuatro grandotas, y eso ya es lo máximo que puedo hacer acá adentro. Más grandes no salen.”
Cada rincón del taller tiene huellas de proceso: yeso, arcilla, bocetos, herramientas, polvo, silencio. “Cuando las hago más grandes tengo que ir a otros talleres. Estas, por ejemplo, son de cemento hueco. A veces necesito ayuda para manipularlas”, cuenta con naturalidad, como si hablara de algo cotidiano.
De La Rioja a las formas del cuerpo
Manuel nació en La Rioja, hijo de una maestra española y un herrero italiano. “Mi mamá era maestra, mi viejo herrero, y en casa siempre había arte. Mi mamá me impulsaba mucho, me regalaba libritos, me llevaba a estudiar dibujo. Creo que desde chica descubrió que tenía cierta inclinación.”
Creció en una familia numerosa: nueve hermanos. “El más grande soy yo, y el único que se dedicó al arte como profesión. Pero tengo hermanos que son herreros, medio artísticos también. En casa la manualidad estaba presente.”
De chico ya mostraba facilidad para lo tridimensional. “Me encanta la pintura, pero tengo una relación malísima con el color y la línea. Siempre me resultó natural modelar. Me das un papel y un lápiz y me siento inútil. Pero con el volumen, con la arcilla, todo fluye.”
Cuando estudiaba en la Escuela Prilidiano Pueyrredón —hoy Universidad Nacional de las Artes (UNA)—, un profesor le dijo algo que nunca olvidó: “Todo es dibujar. Bailar es dibujar. Tallar es dibujar.” “Entonces yo me llevaba un cubo de yeso a la clase de dibujo y lo tallaba. Era mi manera de dibujar”, recuerda riéndose.
A los nueve años su familia se mudó a Córdoba, donde pasó buena parte de su vida y donde sigue volviendo siempre. “Estoy mucho en las sierras, en un pueblito que se llama Villa Sardina, en Punilla. Es un lugar donde me reencuentro conmigo. Tiene algo de esa paz que necesito.”
La síntesis y el movimiento
Terminó la carrera en el año 2000. “Empecé a investigar por mi cuenta, sin saber muy bien de qué manera me iba a meter en esto. Quería que el arte fuera mi profesión. Y lo logré… te juro que fue un milagro. Jamás pensé que iba a vivir de esto.”
En sus primeros años como escultor trabajó mucho la talla en piedra y madera, un aprendizaje que lo obligó a “sacar para que aparezca la forma”. “Eso me llevó a sintetizar, a geometrizar, a eliminar detalles. Mis primeras esculturas eran casi tótems, muy geométricas, con la figura humana apenas insinuada.”
Pero cuando volvió a la arcilla, su lenguaje cambió. “Mantuve la síntesis y la geometría, pero le sumé movimiento. Rompí el esquema ortogonal y me fui hacia lo que yo quería hacer: la expresión del cuerpo. Más que nada, eso: la emoción del cuerpo.”
De esa exploración surgió “Hombres Niños”, su serie más emblemática. “El personaje no tiene nombre. Es un proyecto que llamé así porque Ana María Campoy, a quien conocí y quise mucho, decía ‘son hombres-niños’. Tienen algo indefinido en la edad, un candor… no sé si fragilidad, pero sí…una ternura. Desde entonces, el 90% de mi obra pasa por esa imagen: el mismo personaje que va mutando y cambiando.”
Cada uno de esos personajes tiene su momento. “Hubo tandas de producción, épocas de efervescencia. Después me dedico a buscar variantes dentro de lo mismo. Ahora estoy en una etapa de cambiar la escala de las obras: agrandarlas, llevarlas a otras dimensiones. Algunas las modifico digitalmente, con la ayuda de alguien que traduce mis manos en la pantalla. Es algo nuevo para mí, pero sigue siendo mi obra.”
Vivir del arte
Hoy Manuel puede decir que vive de lo que ama. Pero el camino no fue inmediato. “Después de la carrera pasé años medio perdido, sin saber cómo insertarme. En 2005 llevé unas piezas a un local en Recoleta que vendía solo arte. Fui con timidez, casi pidiendo disculpas. Me pidieron obras grandes, y justo era una época en que se vendía mucho afuera, por el turismo y el dólar. Eso me abrió puertas. A partir de ahí conecté con galerías, especialmente en Uruguay.”
Desde entonces, su obra recorrió el mundo: Portugal, España, Suiza, Uruguay. “En Montreux hice una exposición preciosa. También participé en ferias colectivas. Y vendí desde acá para lugares rarísimos. Ya ni sé dónde están algunas esculturas. Tendría que hacer un mapamundi y marcar dónde viven mis obras.”
Pero su vínculo con el público va más allá de lo comercial. “Las exposiciones para mí son celebraciones. La mayoría de los artistas expone para vender. Yo si vendo, buenísimo. Pero lo hago para compartir, para celebrar. Me divierte mostrar algo nuevo, una idea, un rumbo.”
Las redes sociales también se convirtieron en aliadas. “Han ayudado mucho. Hoy tengo un ritmo de ventas sostenido. Pero lo importante sigue siendo crear, disfrutar el proceso.”
El arte como espacio vital
Además de artista, Manuel es docente en la Universidad Nacional de las Artes. “Tengo muchos alumnos por cuatrimestre. Y lo lindo es que no todos buscan vivir del arte. Algunos escriben, otros se van hacia la curaduría o la historia del arte. Es un universo enorme.”
Su forma de enseñar tiene el mismo tono con el que habla: tranquilo, empático, paciente. “Hay algo de mi mamá maestra, creo. Ella me transmitió esa vocación de acompañar.”
Manuel transmite una serenidad profunda. Estar a su lado se siente como bajar un cambio. Hay una coherencia entre su modo de ser y su obra: simpleza, calma, humanidad. El lujo de la sencillez
La celebración de lo nuevo
El 28 de noviembre, Manuel presentará una nueva muestra en una galería de arte de Buenos Aires. Una cita que espera con entusiasmo, más como un reencuentro que como un evento. “Me gusta conocer gente, me divierte. Y esta muestra es eso: una excusa para reunirnos, para celebrar. A veces las ideas nuevas son apenas una intención, pero compartirlas siempre vale la pena.”
Su taller, lleno de cuerpos suspendidos, gestos quietos y miradas suaves, parece un espejo de su mundo interior. En cada escultura hay algo de él, algo de ese hombre que aprendió a dibujar en el aire, a darle forma al silencio y a celebrar la vida a través del arte.
En el corazón de la Patagonia, a 80 kilómetros de El Calafate, se encuentra una de las joyas naturales más imponentes del planeta: el Glaciar Perito Moreno. Sus hielos de un azul intenso, sus desprendimientos estruendosos y su accesibilidad única lo convierten en una de las maravillas más visitadas y admiradas del mundo.
Quienes han hecho posible que miles de viajeros de todo el planeta puedan acercarse de manera segura a esta maravilla son los pioneros de Hielo y Aventura, una empresa argentina que desde 1989 se dedica a ofrecer experiencias de trekking y navegación en el Parque Nacional Los Glaciares. Lo que comenzó como un proyecto entre amigos apasionados por la montaña, se transformó en la compañía líder en caminatas sobre hielo a nivel mundial.
El nacimiento de un clásico: el Minitrekking
La gran innovación de Hielo y Aventura fue crear una experiencia pensada para el público general, sin necesidad de contar con conocimientos de montañismo. Así nació el Minitrekking, una caminata guiada con crampones sobre el glaciar que permite descubrir formaciones de hielo, grietas y cuevas con total seguridad. Con los años, la propuesta se diversificó con variantes más desafiantes y opciones para todos los perfiles.
Experiencias para cada viajero
Hoy, la empresa ofrece un abanico de excursiones que combinan aventura, naturaleza y emoción:
Minitrekking: la excursión clásica, accesible y cautivante.
Minitrekking 2: una versión más dinámica, con doble recorrido.
Big Ice: siete horas de exploración total, con más de tres horas sobre el glaciar, pensada para exploradores exigentes.
Safari Náutico: navegación frente a la imponente cara sur del glaciar, disponible todo el año.
Safari Azul: caminata de baja dificultad que permite acercarse al hielo y tocarlo con las manos.
Es importante saber que la experiencia tiene un rango etario para pasajeros de entre 8 y 65 años. En cuanto al precio el valor hoy es de $320.000.
Una experiencia que transforma
Participar en una de sus excursiones no es solo turismo: es un encuentro íntimo con una de las fuerzas naturales más extraordinarias del planeta. Entre el crujido del hielo, el silencio imponente de la montaña y la hospitalidad del equipo, cada visitante vive un momento único e inolvidable.
Hielo y Aventura sigue marcando el rumbo del turismo de naturaleza en Argentina, acercando de manera respetuosa y segura la majestuosidad del Perito Moreno a quienes se animan a vivir la aventura.
Pensar en un lugar donde lo único que importe sea disfrutar… inevitablemente nos lleva a imaginar un All Inclusive. Sin embargo, son pocas las opciones cercanas para vivir una experiencia de este nivel. Una de ellas, y probablemente la más tentadora, es Altos del Arapey, en Uruguay.
A solo 550 kilómetros de Buenos Aires, este resort 5 estrellas en las Termas del Arapey es la excusa perfecta par una escapada en pareja donde el descanso y el disfrute son protagonistas.
Desde el inicio, todo invita a bajar el ritmo. El entorno natural, las piscinas termales, las vistas a lagunas y jardines: un escenario ideal para reencontrarse sin distracciones. El complejo conjuga termas, spa, golf y gastronomía bajo un sistema All Inclusive que hace que la única decisión sea dejarse llevar. El lujo aparece en los detalles: descubrir que hasta el agua de los baños es termal, o brindar al atardecer con un cóctel en el wet bar.
Lo interesante es que este All Inclusive se adapta a distintos planes: pareja, amigos o familia. Solo hay que entender el pulso del lugar para disfrutarlo. Las mañanas y los atardeceres son perfectos para recorrerlo en clave romántica; si vas con amigas, la barra, el bar y las actividades para adultos garantizan risas y momentos compartidos. Y en familia, mientras los chicos se divierten en el Kids Club o en la agenda diaria de actividades, los padres pueden recuperar tiempo de a dos.
Las piscinas termales, cubiertas y al aire libre, son un refugio irresistible: distintas temperaturas, jacuzzis y rincones pensados tanto para relajarse como para disfrutar juntos del placer del agua. El spa suma masajes y tratamientos para renovar cuerpo y mente (no incluidos en el plan).
La gastronomía es otro de los puntos fuertes. El buffet ofrece opciones frescas y variadas para todos los gustos, con estaciones de show cooking temáticas y la posibilidad de disfrutar buena comida y bebida mirando el río Arapey.
Y aunque actividades sobran –desde paseos a caballo hasta noches de música en vivo– el verdadero lujo de Altos del Arapey está en regalarse tiempo compartido: caminar de la mano entre lagunas, descansar frente al fuego o cerrar la jornada con un baño nocturno bajo las estrellas.
En pareja, este resort es mucho más que un destino: es un ritual de conexión, relax y disfrute. Una invitación a volver renovados. Juntos.
Este año conocí a Mariela Ivanier en un almuerzo, gracias a una amiga en común. Me llamó la atención su mirada atenta y su atuendo colorido: una túnica, collares grandes y anteojos de marco ancho. Sin duda, alguien con personalidad, pensé. La había cruzado alguna vez en un evento, pero nunca había tenido trato con ella.
Sabía que era colega y experta en gestión de crisis. Poco después coincidimos en una interconsulta por un cliente y, a partir de allí, empezaron a surgir encuentros —siempre por iniciativa de Mariela— que me permitieron conocerla más hasta llegar a esta entrevista.
Una de esas invitaciones fue a un evento en su casa. Allí descubrí su mundo, enmarcado en la Colección Rivarola: unas 400 obras de arte, supe después. En ese momento me limité a observar: el recibidor, el bar azul, el living (que también es su oficina), el comedor, el dormitorio “rojo amor” y hasta el vestidor, todos colmados de arte.
Sí, también el vestidor, porque Mariela abre su casa de par en par, literalmente. “Mi intimidad está en otro lado, no en que conozcan mi vestidor. Yo tengo una vida personal, muy personal, como casi todos, que no está en este departamento ni en esta colección ni en los objetos”, sentencia con claridad.
Donde se mire hay obras, pero también colecciones de objetos: jarrones, estuches de anteojos, muñecas, animales en miniatura. Mariela colecciona arte desde hace 28 años. “El arte es un profundo disfrute, no hay reflexión ni demasiado análisis, es puro corazón y panza. Como digo yo, es tripa. El arte no es una terapia, es un espacio de juego y de disfrute, claramente”, detalla con entusiasmo.
De la crisis y el caos a la armonía
Lo primero que pensé al entrar a su casa fue: ¿cómo tanta obra puede coexistir de manera armónica siendo cada una tan única? Podría ser un caos absoluto. Una crisis visual. Pero Mariela es experta en manejar situaciones complejas. Y ese expertise le permite armonizar lenguajes, personas y personalidades tanto en su trabajo como en su vida personal.
Gestionar crisis implica gestionar personas y empresas, con sus egos, miserias, complejidades y momentos de debilidad. “Es un trabajo muy demandante: tengo clientes que atraviesan situaciones complicadas y que requieren no solo de una mirada, sino de una segunda mirada y de una escucha. Las decisiones que uno toma tienen una implicancia muy fuerte en la vida del otro, en la vida de los demás, y eso me genera una enorme responsabilidad”, explica con claridad.
Lo diverso nutre y enriquece
También participé de uno de sus famosos Tés de colección. Allí entendí que Mariela logra con las personas lo mismo que hace con el arte en su casa: que la diversidad conviva y se enriquezca.
Le gusta tender puentes entre personas de distintos ámbitos. Abre sus puertas a conocidos, amigos y completos desconocidos, los presenta, les da un motivo y abre el diálogo. “Me encanta pensar que esas dos personas nunca se hubiesen conocido si este encuentro no ocurría. Y que a partir de ahí pueden hacer algo juntos: enamorarse, hacer negocios, hacerse amigos, volver a verse. Eso me da un enorme placer”, resume.
Y su profesión se vuelve vocacional en estos encuentros: “Con un agregado que te sumo y que para mí es un desafío: muchas veces concurre gente, voluntaria o voluntariamente, que tiene algún conflicto. A mí me gusta desafiarme a mí misma y saber que ese conflicto, gracias a mí o a no incomodarme cuando los recibo, se diluye”.
Aquello que antes era natural —que las personas se conozcan cara a cara y hablen mirándose a los ojos— hoy, con el mundo digital, parece haberse desprestigiado. Todo se traslada a lo virtual, incluso cuando la gente se reúne sólo para producir contenido, pero sin estar realmente presente.
El arte como disfrute y como acto de compartir
Además de disfrute, el arte es la melodía central en la vida de Mariela y siente la necesidad de compartirlo. De allí nacen sus eventos.
Té de colección comenzó hace quince años. “Hubo una conversación fundacional con mi hija Mora, que en ese momento tenía 10 años. Le expliqué que teníamos cosas muy lindas como para no compartirlas y ella estuvo de acuerdo. Yo quería invitar a gente para que las disfrute y, al mismo tiempo, enseñarle a mi hija a recibir. Eso se aprende en casa, no en un curso”, recuerda.
De ese ciclo nació un libro en coautoría con Gabriela Kogan y, durante la pandemia, el segundo: El arte está en casa, una compilación de 141 relatos de mujeres y su relación con el arte.
Otro proyecto es Arte en pequeño formato, una muestra anual organizada junto a Victoria Baeza, Santiago Arce y Mariana Gallegos de Los Santos. “Este año nos animamos a hacerlo en el Museo de Arquitectura. El pequeño formato es más accesible: alguien que nunca compró arte difícilmente arranque con un cuadro de dos metros por dos, pero sí puede animarse a uno de 30×20. Y lo logramos: en esta edición se vendieron cerca de 150 obras”, celebra.
Intensidad, pasión, abundancia
Todo es intenso en el mundo de Mariela Ivanier: el color, las palabras, el arte, los vínculos. Ella misma lo resume: “Soy abundante. Abundante en temas, en gente, en arte. Soy exagerada. Profundamente exagerada”.
Sin embargo, al preguntarle por sus pasiones principales, sorprende: “Mis dos grandes pasiones en este momento no están colgadas en ningún lugar: son mi hija Mora y mi compañero Santiago, un hombre bueno, que me costó muchos años encontrar”.
Definirse en una palabra
Cuando le consulto cómo le gustaría que la definieran, la abundante Mariela se queda en silencio por primera vez: “Mirá el silencio que provocaste. A mí me gustaría que me definieran como una buena persona”.
Recuerda entonces a su abuelo José, quien con solo séptimo grado se convirtió en un gran empresario en San Juan. “Hay una palabra en ídish que lo define: mensch. Significa buena persona, alguien trascendente, importante para su comunidad. Eso era mi abuelo y me gustaría heredarlo”.
La emoción la invade al evocar su muerte: “Cuando murió, en San Juan cerraron los comercios para acompañarlo. Yo tenía 16 años. Recuerdo al ciego que siempre vendía ballenitas en la puerta de su negocio; mi abuelo siempre le compraba. Cuando pasó el camión con su féretro, ese hombre gritó: ‘Adiós Don José’. Después no pude ver más. Como el ciego”, relata con lágrimas en los ojos.
Esos mismos ojos —curiosos y atentos, que me sorprendieron en nuestro primer encuentro— son ahora el telón final de una entrevista abundante en emociones.
Ayer al mediodía, en el marco de BAFWeek el Museo Larreta se preparaba para recibir uno de los desfiles más esperados: la presentación de “Turucuto, de Tucumán al Mundo”, la nueva colección de Gusmán.
A las 13 horas, cuando los invitados empezaban a llegar con sus looks cuidadosamente elegidos, la lluvia sorprendió y puso a prueba la organización. El montaje estaba dispuesto en los jardines del museo, un escenario natural de árboles centenarios que, de pronto, se transformaron en improvisado refugio. No había plan B: sólo quedaba esperar.
Una barra de Chandón y regalitos de Avon para los invitados eran el entretenimiento mientras se decidía qué hacer. Y como dicen que ‘La actitud es todo” se le puso el pecho al clima y se siguió adelante.
Lejos de arruinar la experiencia, el clima terminó por darle un aire único al evento. El público se acomodó bajo la copa de los árboles y, entre charlas, risas y paraguas abiertos, los invitados se hacían fotos mientras se reorganizaba el comienzo del evento.
El resultado fue casi poético. Con música en vivo de raíces bien nuestras, cercana al folclore, las modelos recorrieron los senderos del jardín luciendo las piezas de Turucuto. Predominaron las telas de algodón y algunos toques de seda, en siluetas fluidas y ligeras que parecían fundirse con la brisa y la lluvia. La paleta de colores viajó de los tonos pasteles a los crudos, grises y tierras, con el jean como aliado urbano y el negro como contrapunto elegante.
Hubo estampas de inspiración mediterránea, con líneas rojas o celestes, motivos de limones y remeras que resignifican palabras de raíz popular como changuita. El resultado transmitió una frescura rústica, con prendas sin accesorios que brillaron por sí mismas, donde lo artesanal y lo contemporáneo convivieron en equilibrio.
El nombre de la colección tampoco es casual. En Tucumán, “Turucuto” se refiere a la acción de llevar a un niño “a caballito” o “a cococho”. También ha sido utilizado en propuestas artísticas locales, como dúos musicales o espectáculos que mezclan folclore con paisajes urbanos. Gusmán retoma esa raíz popular y la proyecta hacia una mirada global, llevando la esencia tucumana “al mundo”.
Así, lo que comenzó como un desafío climático terminó en una postal memorable: moda, cultura y naturaleza conviviendo en perfecta armonía, con un público que vivió la experiencia entre brindis, conversaciones bajo los árboles y la emoción de ser parte de un desfile único.
Ingresar a la Colección Rivarola, de Marcela Ivanier, es ingresar a un submundo de arte y personalidad. Podrìa uno sentirse en una película de Almodovar por los colores vibrantes que definen cada estancia de lo que es su casa y galería de arte de su colección privada.
El lugar creaba un clima íntimo y sofisticado que anunciaba algo más que una simple cata de vinos: era una experiencia sensorial y cultural. Allí, en el corazón de Buenos Aires, se reunieron empresarios, figuras públicas y amantes del vino convocados por Mariela para degustar los vinos de Finca Suarez de la mano del mismo Facundo Suárez Lastra, ex intendente porteño, político con historia y actual alma mater de Finca Suárez, el proyecto vitivinícola familiar enclavado en el corazón de Paraje Altamira, en el Valle de Uco, Mendoza.
Sobre la Finca
Fundada en 1921 por su bisabuelo Leopoldo, Finca Suárez es una bodega con linaje, silenciosamente prestigiosa, recuperada y reconvertida por Facundo. Inspirado por el legado familiar y el potencial del terroir mendocino, se propuso modernizar la finca sin perder el alma artesanal que la define. Desde entonces, Finca Suárez se posiciona como un referente de la vitivinicultura boutique de altura, con vinos expresivos, precisos y profundamente ligados a su origen. Desde 2011 llegó la cuarta generación de la mano de Juanfa Suarez quien se incorporó a la empresa familiar. Aportó una búsqueda hacia vinos de terruño y prácticas agrícolas sustentables
La finca se ubica sobre suelos aluvionales, pedregosos y ricos en carbonato de calcio, propios de Paraje Altamira. Estas condiciones, combinadas con la altitud —a más de 1100 metros sobre el nivel del mar— y el clima fresco del Valle de Uco, permiten elaborar vinos con acidez natural, tensión, estructura y una expresión única del lugar. En estos suelos se cultivan variedades como Malbec, Cabernet Sauvignon, Chardonnay, Pinot Noir y Semillón, con rendimientos bajos y gran concentración.
La Cata
Suárez Lastra no solo ofició de anfitrión, sino que condujo personalmente la degustación con humildad, pasión y explicaciones sobre geografía y terroir. Así presentó las etiquetas más destacadas de su finca, logrando captar la atención tanto de paladares expertos como de curiosos entusiastas.
La cata comenzó con el Pet Nat, un espumante natural, vivaz y refrescante, elaborado bajo método ancestral que sorprendió por su frescura y carácter. Le siguieron el Chardonnay, elegante y mineral, y el Semillón, de perfil más austero y textura envolvente, ambos blancos fermentados con levaduras autóctonas y sin intervención excesiva.
El recorrido continuó con el Malbec, fresco, jugoso y representativo del estilo de la casa; seguido por el Cabernet Sauvignon, intenso pero equilibrado, con notas especiadas y taninos firmes. Como broche de oro, se degustó “Las Piedras”, un vino de parcela elaborado a partir de viñedos implantados sobre suelos calcáreos de gran profundidad, que ofrece complejidad, mineralidad y una marcada personalidad.
La cata fue maridada con platos exquisitos de la Chef Paula Comparatore, chef que siempre está en la búsqueda de honrar las raíces culturales y culinarias y así lo hizo con la propuesta de guiso y humita entre otros platos.
La Anfitriona
Marcela Ivanier, impecable anfitriona y mentora de tan personal espacio que fusiona arte, con su hogar y oficina; una joya bien guardada de la ciudad de Buenos Aires, recibió a los invitados con la calidez y gran don de gente. Su sede, mezcla de galería y refugio cultural, fue el marco ideal para una velada en la que el vino y la conversación se entrelazaron con naturalidad.
La noche se extendió entre brindis, recorridas por las piezas de arte que visten el lugar, y reflexiones compartidas. No faltaron los elogios a los vinos ni las charlas sobre el valor del encuentro, del trabajo artesanal y del regreso a las raíces.
Finca Suárez hoy produce en pequeña escala, bajo una filosofía de mínima intervención, respeto por el terroir y foco en la identidad de cada variedad. La bodega busca contar una historia sincera y cuidada en cada botella.
Así fue como una noche de otoño porteño se convirtió en testimonio de una pasión que atraviesa generaciones, copas en alto y una Argentina que, entre cepas y memorias, siempre tiene algo nuevo para brindar.
